«Discorsi sulla musica» con Wrongonyou

Qualche anno fa facevo la guida nei musei mentre studiavo storia dell’arte. Poi un gruppo funk mi ha chiesto di partire per una tournée americana nel ruolo di chitarrista. Passando svariati mesi in America ho scoperto che esisteva una realtà dove chi faceva il cantante come lavoro non era per forza famoso, ma comunque riusciva a sostentarsi. Mi sono chiesto perché non farlo anche io in Italia. Da lì ho intrapreso la mia carriera musicale.

Accettare di non riuscire a pagare subito un affitto da solo (ndr, ride). A parte gli scherzi, essere manager di se stessi, quando all’inizio non se ne ha uno vero e proprio, non è facile: bisogna trovarsi da soli ingaggi per concerti, persone che collaborino al progetto… Bisogna entrare in quel mondo che è l’industria musicale che inizialmente non conoscevo. Oltre a questo, far capire a mia madre che volevo fare questo lavoro non è stato facile!

La cosa che più mi ha rincuorato in quel periodo sono stati i messaggi su Facebook delle persone che mi ringraziavano per essersi emozionate ai miei primi concerti, dove massimo c’erano 20/30 persone.

Covid a parte, sicuramente restare “su”, sulla cresta dell’onda. Visto il riciclo degli artisti che va ad una velocità senza senso. Trovo assurdo che un disco dopo 6 mesi venga considerato già vecchio. C’è una continua produzione di nuova musica come sappiamo, e credo che questa assomigli a una catena di montaggio. C’è il rischio di perdere il vero senso del fare musica.

Probabilmente la differenza è poca. Purtroppo il valore dei numeri ha oscurato i valori culturali centrali per chi fa musica. Troppo spesso mi capita che ragazzi molto giovani, che stanno muovendo i primi passi nella musica, mi chiedano come prima cosa quante visualizzazioni o stream abbia fatto dopo Sanremo. Questo la dice lunga. Gli affermati invece si dividono tra chi si concentra sempre più sui numeri, autocompiacendosi, e chi cerca sempre qualcosa di nuovo e di spessore.

La cosa positiva è che può nascere una stella senza dover superare delle barriere che esistevano prima nell’industria, producendo musica nella propria cameretta. Ovviamente saranno alcuni casi isolati all’interno di un grande sovraffollamento di meteore.

Poco. Vado molto in conflitto sia con me stesso che con i social. I like e le visualizzazioni spesso superano l’importanza del messaggio che si vuole comunicare. Per questo ho un rapporto conflittuale come molti altri colleghi. La tecnologia che mi interessa è quella degli strumenti musicali e delle loro innovazioni.

La musica, per me, è vita.

“Shadows Collide With People” di John Frusciante (2004, Warner Bros) è stato il disco che ha cambiato il mio modo di vedere la musica. Il suo saltare a piedi pari le strutture musicali. John Frusciante invece che scrivere la musica con le note la scriveva con i colori. Questo mi ha fatto capire quanto fosse fondamentale la libertà artistica nello scrivere canzoni. In più da ex metallaro che ero, questo disco mi ha aperto anche verso ascolti diversi, verso discografie di cantautori che ora sono fonte di ispirazione per me.

La curiosità serve a smuovere la ricerca musicale, quindi direi che è imprescindibile. L’assenza di pregiudizio, nella musica soprattutto, la vedo come un’utopia, perché è proprio vero che “chi disprezza compra”.

Avendo vinto il Premio della Critica Mia Martini nella categoria “Nuove Proposte” di Sanremo 2021 non posso lamentarmi della critica (ndr, ride). Ho un ottimo rapporto con i giornalisti. Trovo che chi critica con cognizione di causa faccia un lavoro importante: mettere sotto una certa luce degli artisti interessanti, e raccontare la nascita di nuovi.

Se devo dare una risposta univoca direi folk, ma in generale qualsiasi canzone che mi emozioni.

“Sono Io”, il mio ultimo disco, che forse è quello che mi racconta in maniera più veritiera. Consiglierei a tutti di recuperarselo. È il modo più diretto per conoscermi come artista.

Trovare un’identità artistica calzante è tra le cose più difficili per un artista. Basti pensare che alcuni artisti vengono identificati con qualcosa di molto lontano da ciò che sono davvero. Io credo ci vogliano coerenza, dedizione, disciplina e soprattutto sincerità nei confronti di sé stessi e del pubblico. Pensate al suono di chitarra di Carlos Santana.

L’ego dell’artista ne ha certamente bisogno, sarei ipocrita ad affermare il contrario.

Nel mio caso è importante essere molto presenti. È facile cadere nel “dimenticatoio”. Nel momento in cui diventerò un “big”, se dovesse mai accadere, avrò la possibilità di sparire per un po’.

Credo che l’importante sia non snaturarsi troppo: un artista non dovrebbe sottostare a dinamiche che gli impongano una direzione artistica pensata per trasformarlo in qualcosa che non è.

Ammetto che mi capita di avere momenti di grande sconforto. A volte anche prima di un concerto. Ma nel momento in cui metto la bocca sul microfono realizzo che non riuscirei a fare un lavoro diverso da questo. In pratica la musica mi provoca sconforto ma poi è anche la mia terapia.

Cantare mi ha già fatto realizzare alcuni sogni. Ne rimangono altrettanti che possono essere: collaborare coi miei artisti preferiti (come Frusciante o Bon Iver), piuttosto che con altri grandi della musica italiana, sarebbe come mettere la ciliegina sulla torta.

La musica va guidata, non penso vada da sola. Diciamo che dovremmo provare tutti noi, come pubblico, a portarla in un’altra direzione.

Il lockdown mi ha salvato la vita: mi ha fatto rendere conto delle persone da cui ero circondato e quindi l’importanza di alcuni e la necessità di allontanarmi da altri. In più mi ha permesso di mettere a fuoco in maniera più oggettiva il binario su cui stavo viaggiando, artisticamente parlando, aiutandomi a correggere il tiro su alcuni aspetti del mio songwriting.

Perché volevo dare il mio contributo e ho trovato le domande interessanti e diverse da quelle che mi fanno comunemente. Grazie Luca!

Wrongonyou